Mit ihrem Titel würdigt die Reihe „Kracauer Lectures in Film and Media Theory“ den gebürtigen Frankfurter Philosophen, Soziologen, Schriftsteller und Film- und Medientheoretiker Siegfried Kracauer (1889-1966), einen der einflussreichsten Denker des 20. Jahrhunderts im Feld der Film- und Medientheorie. Zugleich verwies der Reihentitel auf die Rolle Frankfurts und seiner Universität als Gründungsorte der kritischen Reflexion des Films und der technischen Medien im 20. Jahrhundert.

Die Reihe setzt sich zum Ziel, avancierte aktuelle Positionen der Film- und Medientheorie und der Medienphilosophie sowie der Medienreflexion in der Kunst- und Kulturwissenschaft und der philosophischen Ästhetik zur Darstellung zu bringen und damit einen Beitrag zur Erweiterung und Entwicklung des Feldes der Film- und Medienwissenschaft zu leisten, der am schnellsten wachsenden geisteswissenschaftlichen Disziplin in Deutschland.

Dienstag 02.12.2025, 18 Uhr
Elena Vogman (Bauhaus-Universität Weimar)
Geo-Psychiatry: Somatic and Cinematic Milieus of Cure
Vortrag in englischer Sprache.
Medienraum, IG Farben-Gebäude 7.214
Campus Westend, Goethe-Universität Frankfurt am Main

In June 1961, in the French Lozère, two films were shown and discussed with an audience of psychiatric patients, nurses, doctors, farmers, and local villagers: The Mad Masters (1955) by Jean Rouch, then banned in France, and Chronicle of a Summer (1961) by Rouch and Edgar Morin, not yet officially released. This double screening, along with the contemporaneous production of three cinéma vérité films by Mario Ruspoli involving patients and doctors of the Saint-Alban psychiatric hospital, forms part of the media history of institutional psychotherapy—a history that remains to be written.

Institutional psychotherapy was a psychiatric reform movement that emerged during World War II and the German occupation, which led to the mass extermination of patients during the famine that swept through hospitals. Saint-Alban became an asylum in the literal sense of the word—a refuge not only for patients but also for Jewish migrants, Resistance members, and surrealist artists. Initiated by the Catalan anarchist doctor in exile, Francesc Tosquelles, it was carried forward and transformed by figures such as Frantz Fanon, Ginette Michaud, Félix Guattari, and Fernand Deligny.

Departing from the assumption that “the hospital is ill,” the goal was to “heal the institution”—its surroundings and atmosphere—before any individual treatment. Exploring the film and media archives of institutional psychotherapy, I trace the relations between therapeutic and environmental aspects of its experimental practices. In contrast to the objectifying scientific or forensic uses of film in psychiatric contexts, these interventions proposed an environmental and participatory approach to mental health care, formative for direct cinema. Their method of géo-psychiatrie redefined “human geography” by fostering patients’ capacity to actively participate in each other’s cure. Finally, my presentation analyzes how geo-psychiatry and its participatory repurposing of technology contribute to current debates on media, cinema, and environmentality.

Elena Vogman is a scholar of comparative literature and media. She is Freigeist Fellow, Principal Investigator of the research project “Madness, Media, Milieus: Reconfiguring the Humanities in Postwar Europe” at the Bauhaus-Universität Weimar, and a Visiting Fellow at the ICI Berlin Institute for Cultural Inquiry. Her current work focuses on the media histories of institutional psychotherapy and their intersections with decolonial discourse, psychoanalysis, feminism, and environmentality. She is the author of three books: Sinnliches Denken: Eisensteins exzentrische Methode (2018), Dance of Values: Sergei Eisenstein’s Capital Project (2019), and Geo-Psychiatry: Media and the Ecologies of Madness (forthcoming, 2026).

Alle Informationen gibt es auf der Webseite. Nach der Veranstaltung gibt es dort auch einen Videomitschnitt der Veranstaltung.

Mit ihrem Titel würdigt die Reihe „Kracauer Lectures in Film and Media Theory“ den gebürtigen Frankfurter Philosophen, Soziologen, Schriftsteller und Film- und Medientheoretiker Siegfried Kracauer (1889-1966), einen der einflussreichsten Denker des 20. Jahrhunderts im Feld der Film- und Medientheorie. Zugleich verwies der Reihentitel auf die Rolle Frankfurts und seiner Universität als Gründungsorte der kritischen Reflexion des Films und der technischen Medien im 20. Jahrhundert.

Die Reihe setzt sich zum Ziel, avancierte aktuelle Positionen der Film- und Medientheorie und der Medienphilosophie sowie der Medienreflexion in der Kunst- und Kulturwissenschaft und der philosophischen Ästhetik zur Darstellung zu bringen und damit einen Beitrag zur Erweiterung und Entwicklung des Feldes der Film- und Medienwissenschaft zu leisten, der am schnellsten wachsenden geisteswissenschaftlichen Disziplin in Deutschland.

Dienstag 25.11.2025, 18 Uhr
Lucie Česálková (Charles University (Prag))
Screening Extractivism with a (More than) Human Face
Vortrag in englischer Sprache.
Eisenhower-Raum, IG Farben-Gebäude 1.314
Campus Westend, Goethe-Universität Frankfurt am Main

Playfully referring to the program of radical reform of socialism in Czechoslovakia at the end of the 1960s (so-called “socialism with a human face”) and at the same time to the potential of environmentally conscious imagination in state socialism, this lecture aims to rethink industrial and agricultural film as a specific form of mediation of the human/nature/technology complex. It will primarily focus on films that have produced political rationality and aesthetics of energy and contributed to the neutralization (or questioning) of extractivism. Eastern European films celebrating coal miners, depicting the construction of large hydroelectric power plants and refineries, mapping the welding of transnational infrastructures such as oil and gas pipelines, explaining the construction of nuclear power plants, or revealing the possibilities of solar energy, as well as those communicating various energy crises, allow us to examine the connections between extractivism, energy, labour, and the environment differently than from the traditional perspective of the capitalocene, offering also a different map of geopolitical energy relations than between the West and the Global South.

This lecture will therefore offer a reframing of these concepts and dynamics through an Eastern perspective, while emphasizing the importance of studying the aesthetics of utility media as an essential complement to global material and intellectual histories and critical infrastructure studies. Drawing on a broad corpus of films spanning raw material sources and decades of the second half of the twentieth century, it will ask whether we can conceive industrial aesthetics beyond processuality, techno-optimism, and acceleration.

Lucie Česálková is a film historian and works as an Associate Professor at the Department of Film Studies, Charles University, and as an editor-in-chief of the academic journal Iluminace, published by the National Film Archive in Prague. In her research, she focuses on the history of nonfiction cinema, specifically its educational, promotional, or instructional variants, and on the history of noncommercial film exhibition and moviegoing. Recently, she co-edited the volume Non-Fiction Cinema in Postwar Europe. Visual Culture and the Reconstruction of Public Space (eds. Lucie Česálková, Johannes Preatorius-Rhein, Perrine Val, Paolo Villa, AUP 2024). Engaging the environmental and energy humanities perspective, her current project analyzes the ways nature was framed as a resource in Czech industrial and agricultural film and asks how a (post)socialist perspective can shift existing concepts of extractivism and the capitalocene.

Alle Informationen gibt es auf der Webseite. Nach der Veranstaltung gibt es dort auch einen Videomitschnitt der Veranstaltung.

Tauche ein in eine außergewöhnliche Ausstellung, die bewegt und zum Nachdenken anregt!

Vom 18. bis 28. November verwandelt sich das Rathausfoyer Wiesbaden in einen Raum voller eindrucksvoller Kunstwerke von Studierenden des Studiengangs Kommunikationsdesign der Hochschule RheinMain.

Mit Installationen, Plakaten, Skulpturen, Konzepten und performativen Erlebnisräumen machen die jungen Künstler*innen sichtbar, was im Verborgenen bleibt – geschlechtsspezifische Gewalt gegen Frauen im Kontext von Pornographie und Prostitution.

Die Ausstellung ist das Ergebnis eines viersemestrigen Forschungsprojekts zur Istanbul-Konvention, einem zentralen Menschenrechtsabkommen gegen Gewalt an Frauen, das in Wiesbaden durch das Kommunale Frauenreferat umgesetzt wird.

Sei dabei, wenn die Ausstellung eröffnet wird! Dienstag, 18.11.2025, 16.00 Uhr, Rathausfoyer Wiesbaden.

Eröffnung durch Oberbürgermeister Gert-Uwe Mende, Grußworte von Bürgermeisterin Christiane Hinninger und Professorin Dr. Eva Waller, Präsidentin der Hochschule RheinMain. Die Studierenden führen anschließend persönlich durch ihre Werke – ein intensives Erlebnis, das berührt und inspiriert.

Kunst, die Haltung zeigt – Wiesbaden freut sich auf dich!

Saskia Veit-Prang, Kommunale Frauenbeauftragte
Prof. Rüdiger Pichler, Fachbereich Design Informatik Medien – Studiengang Kommunikationsdesign

Das Diskurs Festival vom 6.11. bis 9.11.2025 ist ein internationales Theater- und Performance-Festival, das seit mehr als 40 Jahren von Studierenden der Angewandten Theaterwissenschaft in Gießen organisiert wird. Seine Besonderheit liegt in der Verbindung von Theorie und Praxis und spiegelt sich in einem interdisziplinären, vielseitigen Programm wider.

Die diesjährige Ausgabe trägt den Titel “Foreshocks” und widmet sich aktuellen gesellschaftlichen und politischen Erschütterungen — und deren Auswirkungen auf Kunst und Kultur. Das Festival findet vom 06. bis 09. November 2025 in Gießen statt. Das Festival lädt Künstler*innen, Kollektive, Theoretiker*innen und Aktivist*innen ein, gemeinsam zu erforschen, wie Kunst in prekären und autoritären Kontexten entstehen und überleben kann, um gemeinsam widerständige Strategien zu erproben.

Das Festival lebt von der starken Community (Bettenbörse, Helping Hands, Küfa) des Instituts und seinem DIY-Charme. Sofern es den Veranstalter*innen möglich ist, möchten sie das Festival so zugänglich wie möglich organisieren. Sollten hierzu im Vorfeld Fragen auftauchen, können sie hierzu jederzeit kontaktiert werden! Sie freuen sich sehr auf eure Einreichungen!

Das Programm:

6.11.2025

• 9 to 5 + Überstunden Kollektiv gärtnerpflichten: KALTBEWERBUNG – SPONSOR*INNEN:LAUF
• 17:00 ERÖFFNUNG FESTIVAL
• ab 17:30 Oliver Hardt: PROTEST/ARCHITECTURE
• 20:00 Smadar Goshen: BODY THAT STANDS
• 22:00 ERÖFFNUNGS PARTY mit Gutelauni

7.11.2025

• 9 to 5 + Überstunden Kollektiv gärtnerpflichten: KALTBEWERBUNG – SPONSOR*INNEN:LAUF
• ab 12:00 Oliver Hardt: PROTEST/ARCHITECTURE
• 14:00 KÜFA – KÜCHE FÜR ALLE
• 15:00 TALK mit Oliver Hardt zu PROTEST/ARCHITECTURE
• 18:00 Pablo Santacana López: SOFTCORE REENACTMENTS
• 20:00 Dianna Jacksan: BANHADA NO DENDÊ

8.11.2025:

• 9 to 5 + Überstunden Kollektiv gärtnerpflichten: KALTBEWERBUNG – SPONSOR*INNEN:LAUF
• ab 12:00 Oliver Hardt: PROTEST/ARCHITECTURE
• 14:00 KÜFA – KÜCHE FÜR ALLE
• 15:00 Janina Möbius: BLICKWECHSEL
• 18:00 Azadeh Ganjeh: PERFORMING PRESENCE – ACTIVIST BODIES AS PRACTICES OF APPEARANCE
• 20:00 äöü: GEH ZUR RUH'

9.11.2025:

• 9 to 5 + Überstunden Kollektiv gärtnerpflichten: KALTBEWERBUNG – SPONSOR*INNEN:LAUF
• ab 12:00 Oliver Hardt: PROTEST/ARCHITECTURE
• 13:00 DISKURS FLOHMARKT
• 14:00 Réka Poloniy: TBA
• 16:00 DISKURS PANEL
• 18:00 Eva Priečková & Zuzana Žabková: WEAK WOMEN
• 20:00 KÜFA cool out – KÜCHE FÜR ALLE

Das Diskurs Festival 2025 Team: Hanna Launikovich, Ruby Rawson, Tolja Haß, Yossi Herzka.

Weitere Informationen zum Festival gibt es auf der Webseite.

Wie real oder unwirklich ist der menschliche Körper in digitalen Medienräumen? Inwieweit ist er menschlich? Inwieweit ist er nur ein Datensatz, der zu einer entmaterialisierten Erscheinung führt, die Körperlichkeit auf eine veränderte, vielleicht neue Weise fasslich macht? - In diesem Workshop wollen wir das ausprobieren.

In diesem Semester liegt der Schwerpunkt auf 360°-Visualisierungen, die mit Tanz und Choreographie kombiniert werden. Die geplanten Produktionen basieren auf der Visualisierung von Spatial-Audio- Kompositionen.

Was wird produziert?

Das gesamte Projekt ist von Motiven und Auszügen aus E.A. Poes „Der Untergang des Hauses Usher“ (1839) inspiriert. Es umfasst die Entwicklung von 360°-audiovisuellen „Projection Mappings“ und Fulldome-Filmen, die als Umgebungen für choreographierte Performances dienen. Das gesamte Kontinuum kann erkundet werden: von der körperlich-materiellen Ebene, über den „erweiterten Körper“ bis zu haptisch-virtuellen Aspekten. Sensorbasierte Interaktionen sollen integriert werden. Diese dienen u.a. dazu, die Umwandlung von Audio in 360°-Bewegtbilder und umgekehrt zu verknüpfen.

Anmeldung und Teilnahme Informationen:

Falls Sie an der folgenden Workshop-Lehrveranstaltung teilnehmen möchten, kontaktieren Sie uns bitte bis spätestens Mi, 15.10. 2025, 18.00 Uhr (gerne schon vorher), unter der Mailadresse: kulturforschung.fbmd@h-da.de, mit Angabe von ihrer Kontaktdaten, Hochschule, Studiengang, Semesterzahl und einer kurzen Darstellung Ihrer Motivation. Wir melden uns dann bis Fr, 17.10.25, mit genaueren Angaben zum Treffpunkt.

Der Workshop findet sowohl teilweise vor Ort auf dem Mediencampus Dieburg statt als auch online bzw. hybrid. 

Der Workshop enthält zudem Phasen, in welchen eigenständig am Projekt gearbeitet werden kann. Während dieser Phasen werden Coachingtermine der Dozierenden und des studentischen Tutors n.V. angeboten.

Die Auftaktlehrveranstaltung und Einführung findet statt in Präsenz am Montag, 20.10.25., 14.00 – 17.30 Uhr, Mediencampus Dieburg, Raum 20.001.

Wie können sich Teilnehmer*innen einbringen?

Drehbucharbeit, Audiodesign, Interaktionsdesign, Kamera, Schnitt, Montage, Dramaturgie, Produktionsmanagement usw. werden innerhalb der verschiedenen Produktionsteams durchgeführt.

Das bedeutet, dass jede*r Workshop-Teilnehmer*in ihre/seine Rolle innerhalb eines Teams finden kann. Obwohl Kenntnisse in der visuellen Produktion und auch in der Audioproduktion hilfreich sind, können auch diejenigen mitmachen, die nicht über die erforderlichen technischen Kenntnisse verfügen, wenn das Gesamtprojekt für sie interessant ist. Bitte stellen Sie sicher, dass Sie dann an allen Einführungen in die visuelle Produktion (insbesondere in Touch Designer, 360°-Kamera und Schnitt) teilnehmen.

Die Teilnahme an den drei Touch Designer-Workshops (siehe Kursplan) ist für alle Kurs-TN unerlässlich, ebenso eine kontinuierliche Teilnahme und aktive Mitarbeit in Ihrem Team. Wir planen, die Touch Designer-Workshops hybrid durchzuführen, wobei eine persönliche Teilnahme auf dem Campus von Vorteil sein kann.

Die Einführungsveranstaltung findet in jedem Fall auf dem Campus und nicht online statt, weil wir Spatial Audio-Kompositionen und Fulldome-Filme vorführen.

Kursplan:

• Mo, 20.10.25, 14.00 – 17.30: Introduction to project and its aims. Listening to the Spatial Audio Pieces. First steps TouchDesigner (Campus Dieburg)
• Mo, 27.10., 14.00 –17.30: TouchDesigner 1: Fundamentals for Audiovisual Systems 
• Mo, 3.11., 14.00 – 17.30: TouchDesigner 2: Camera Tracking and Skeleton Interaction
• Mo, 10.11., 14.00 – 17.30: 1. presentation & coaching of project concepts (online). 
• Mo, 17.11.,14.00 – 17.30: TouchDesigner 3: Integration 360°Visual and 3D-Audio patch
• From 18.11.25 – 31.03 26: >> Production phase in studio starts, production sessions offered by a student tutor (flexible timings by prior arrangement with tutor)
• Mo, 24.11.,14.00 – 17.30: 2. presentation project realizations (on campus) with lecturers
• 1.- 15.12.25: Coaching sessions with lecturers in groups (online) by flexible prior arrangement
• Mo, 12.1.26, 14.00 –17.30: 3. presentation of project with lecturers (on campus)
• Throughout February/March 26: Production sessions on offer by student tutor (flexible timings) supporting finishing touches
• Ca. 23.2.26, time tbd: Coaching session in groups with lecturers (online) by prior arrangement
• Mo, 13.4.26, 14.00 – ca. 16.00: Final presentation on campus

Recommended Literature:

Daisuke Iwai, Projection mapping technologies: A review of current trends and future directions, March 2024, Proceedings of the Japan Academy for Physical and Biological Sciences 100(3), pp 234-251.

Dieser Workshop findet im Rahmen der hFMA (Hessische Film- und Medienakademie) und in Zusammenarbeit mit der Hochschule RheinMain und der Fachhochschule Fulda statt. Studierende aller hessischen Hochschulen sind herzlich willkommen. 

Der Kurs findet in einfach zu verstehendem Englisch statt (mit Nachfragemöglichkeiten auf Deutsch), damit auch internationale Studierende teilnehmen können.

Dozent*innen: Prof. Sabine Breitsameter, Robin Wiemann M.A. (h_da)

Seit mehr als zehn Jahren beschäftigt sich die Reihe „Lecture & Film“ über zwei Semester hinweg jeweils mit dem Werk einer bedeutenden Regisseurin oder eines bedeutenden Regisseurs oder einem thematischen Feld. Die aktuelle „Lecture & Film“-Reihe befasst sich mit dem Thema „Black Atlantic Cinema“.

“Sich selbst sehen durch die Augen … einer Nation, die einen mit Verachtung anblickt”: Das ist W.E.B. DuBois‘ Formel für das “doppelte Bewusstsein”, in dem marginale Menschen in Gesellschaften leben, die von Unterdrückung geprägt sind. Unter dem Titel „Black Atlantic Cinema“ stellt die Lecture & Film-Reihe eine filmische Praxis ins Zentrum, die drei Kontinente und die Geschichte von mehreren Jahrhunderten umfasst und den Rahmen einer nationalstaatlichen Betrachtung konsequent hinter sich lässt. In der Reihe nähern sich Wissenschaftler:innen, Kurator:innen und Künstler:innen den vielfältigen Weisen an, in denen Filmkünstler:innen auf die Herausforderung des Lebens im „doppelten Bewusstsein“ antworten, von Afrika über Brasilien und die Karibik bis hin zum (post)kolonialen Europa.

24.7.2025, 20 Uhr / 8pm:

Awa Konaté (Abu Dhabi / London)
Ruptures Beyond the Frame

This presentation explores the significance of curating Black Atlantic cinema as an essential curatorial praxis of memory work, focusing on its capacity to confront double consciousness and offer alternatives for Black survival. Engaging with W.E.B. Du Bois’ notion of seeing oneself “through the eyes of a nation that looked back in contempt,” the presentation propounds the ways in which curators vis-a-vis filmmakers in the Black Atlantic draw upon the political work of film to rethink today’s globalised world. Moving beyond the restrictive frameworks of the nation-state and national cinemas, the concept of Black Atlantic Cinema provides a transnational lens through which African and diasporic filmmakers articulate histories of displacement, resistance, and world-making across three continents and several centuries. Med Hondo’s Soleil Ô (1970) dramatizes the alienation of African migrants in France, capturing the psychic dissonance of double consciousness within a neocolonial European landscape. Similarly, Martina Attille’s Dreaming Rivers (1988) poetically meditates on migration and diasporic memory, constructing a cinematic language that resists the linearity of national belonging. By curating these films within a Black Atlantic Cinema framework, this presentation argues for a transnational curatorial approach that foregrounds cinema as both a continental and diasporic medium—that not only reveals the fractures of double consciousness, but also generates new modalities of Black being and survival beyond the borders of the nation-state.

Awa Konaté is a curator, art consultant, and founder of the curatorial platform Culture Art Society (CAS). Her curatorial practice draws on archival research, Black feminist pedagogies, and memory work, with a particular interest in interdisciplinarity and lens-based practices of African descendant artists, and their resonance within global contemporary art.

Films:

• Soleil Ô (Oh, Sun) Med Hondo, Mauritania/France 1970, 98 min.
• Dreaming Rivers Martina Judah Attile, UK 1988, 30 min.

Die Veranstaltung findet um 18 Uhr im Kino des DFF statt.

Alle Informationen gibt es auf der Webseite.

Seit mehr als zehn Jahren beschäftigt sich die Reihe „Lecture & Film“ über zwei Semester hinweg jeweils mit dem Werk einer bedeutenden Regisseurin oder eines bedeutenden Regisseurs oder einem thematischen Feld. Die aktuelle „Lecture & Film“-Reihe befasst sich mit dem Thema „Black Atlantic Cinema“.

“Sich selbst sehen durch die Augen … einer Nation, die einen mit Verachtung anblickt”: Das ist W.E.B. DuBois‘ Formel für das “doppelte Bewusstsein”, in dem marginale Menschen in Gesellschaften leben, die von Unterdrückung geprägt sind. Unter dem Titel „Black Atlantic Cinema“ stellt die Lecture & Film-Reihe eine filmische Praxis ins Zentrum, die drei Kontinente und die Geschichte von mehreren Jahrhunderten umfasst und den Rahmen einer nationalstaatlichen Betrachtung konsequent hinter sich lässt. In der Reihe nähern sich Wissenschaftler:innen, Kurator:innen und Künstler:innen den vielfältigen Weisen an, in denen Filmkünstler:innen auf die Herausforderung des Lebens im „doppelten Bewusstsein“ antworten, von Afrika über Brasilien und die Karibik bis hin zum (post)kolonialen Europa.

17.7.2025, 20 Uhr / 8 pm

Aboubakar Sanogo (Ottawa)
West Indies, the Black Atlantic and Knowledge: Med Hondo’s Ambulatory Cinema

West Indies is not only Med Hondo’s most formally accomplished work, but it is also his most powerful manifesto and cinematic treatise on the Black Atlantic and its status as an archive, a repository and producer of multiple (beyond the DuBoisian double), contradictory, superimposed yet complementary consciousnesses and “unconsciousses.” To retrieve and reactivate them, he produces an ambulatory mode of filmmaking that also doubles an epistemology for humanity’s very future.  

Abouakar Sanogo is an associate professor of cinema at Carleton University in Ottawa, Canada. A scholar and curator of African cinema, Sanaogo is also the initiator of African Film Heritage Project (AFHP), a partnership between FEPACI, Martin Scorsese’s Film Foundation and the United Nations Educational, Scientific and Cultural Organization (UNESCO).

Film: West Indies, ou les Nègres marrons de la liberté, Med Hondo, France/Algeria/Mauretania 1979, 105 min.

Die Veranstaltung findet um 18 Uhr im Kino des DFF statt.

Alle Informationen gibt es auf der Webseite.

Seit mehr als zehn Jahren beschäftigt sich die Reihe „Lecture & Film“ über zwei Semester hinweg jeweils mit dem Werk einer bedeutenden Regisseurin oder eines bedeutenden Regisseurs oder einem thematischen Feld. Die aktuelle „Lecture & Film“-Reihe befasst sich mit dem Thema „Black Atlantic Cinema“.

“Sich selbst sehen durch die Augen … einer Nation, die einen mit Verachtung anblickt”: Das ist W.E.B. DuBois‘ Formel für das “doppelte Bewusstsein”, in dem marginale Menschen in Gesellschaften leben, die von Unterdrückung geprägt sind. Unter dem Titel „Black Atlantic Cinema“ stellt die Lecture & Film-Reihe eine filmische Praxis ins Zentrum, die drei Kontinente und die Geschichte von mehreren Jahrhunderten umfasst und den Rahmen einer nationalstaatlichen Betrachtung konsequent hinter sich lässt. In der Reihe nähern sich Wissenschaftler:innen, Kurator:innen und Künstler:innen den vielfältigen Weisen an, in denen Filmkünstler:innen auf die Herausforderung des Lebens im „doppelten Bewusstsein“ antworten, von Afrika über Brasilien und die Karibik bis hin zum (post)kolonialen Europa.

10.7.2025 6pm / 18 Uhr and 8 pm / 20 Uhr

Usha Iyer (Stanford)
The Intimacies of Four Continents in Caribbean Cinema  

This program of two films from the Caribbean – a fiction feature and a documentary will extend the frame of the Black Atlantic by considering connected migrations across the Atlantic and Indian oceans, and histories of African enslavement and Asian indenture. The many connections and frictions between African, Indian, Chinese, Javanese and indigenous cultures of the Caribbean reveal the intimacies wrought by plantation capitalism between four continents – Africa, Asia, the Americas, and Europe.
In the experimental documentary, My Mother’s Place  (1990)  fourth-generation Chinese-Trinidadian-Canadian video artist, Richard Fung, weaves a loving portrait of his mother, Rita Fung, whose grandparents came to the Caribbean from China as indentured laborers in the mid-19th century.  Wan Pipel, released a year after Suriname’s independence from the Netherlands, features a rich tapestry of characters and locales that captures the Black and Brown Atlantic as well as the energies of a newly decolonized nation.

Usha Iyer is associate professor of film and media studies at Stanford University and the author of Dancing Women. Choreographing Corporeal Histories of Hindi Cinema (Oxford: Oxford University Press 2020).

Films:

• 6 pm / 18 Uhr: My Mother’s Place, Richard Fung, 1990, 49 min.
• 8 pm / 20 Uhr: Wan Pipel, Pim de la Parra, 1976, 105 min.


Die Veranstaltung findet um 18 Uhr im Kino des DFF statt.

Alle Informationen gibt es auf der Webseite.

Seit mehr als zehn Jahren beschäftigt sich die Reihe „Lecture & Film“ über zwei Semester hinweg jeweils mit dem Werk einer bedeutenden Regisseurin oder eines bedeutenden Regisseurs oder einem thematischen Feld. Die aktuelle „Lecture & Film“-Reihe befasst sich mit dem Thema „Black Atlantic Cinema“.

“Sich selbst sehen durch die Augen … einer Nation, die einen mit Verachtung anblickt”: Das ist W.E.B. DuBois‘ Formel für das “doppelte Bewusstsein”, in dem marginale Menschen in Gesellschaften leben, die von Unterdrückung geprägt sind. Unter dem Titel „Black Atlantic Cinema“ stellt die Lecture & Film-Reihe eine filmische Praxis ins Zentrum, die drei Kontinente und die Geschichte von mehreren Jahrhunderten umfasst und den Rahmen einer nationalstaatlichen Betrachtung konsequent hinter sich lässt. In der Reihe nähern sich Wissenschaftler:innen, Kurator:innen und Künstler:innen den vielfältigen Weisen an, in denen Filmkünstler:innen auf die Herausforderung des Lebens im „doppelten Bewusstsein“ antworten, von Afrika über Brasilien und die Karibik bis hin zum (post)kolonialen Europa.

3.7.2025, 8 pm / 20 Uhr

Jessica Gordon-Burroughs (Edinburgh)
Diasporic Aesthetics, Intermedial Dialogues. The films of Nicolás Guillé Landrián

Afro-Cuban filmmaker and artist Nicolás Guillén Landrián’s final cinematic work in exile, Inside Downtown, co-directed with Jorge Egusquiza, has barely been discussed in the growing critical literature on his oeuvre. This omission points to the persistent difficulties of making visible cinematographic works produced outside national production systems. However, it also derives from the gaps and displacements in the supports and media that inevitably accompany diasporic production, and that often disguise unexpected continuities in the trajectory of an artist.

Jessica Gordon-Burroughs is Lecturer in Latin American Studies and Visual Culture at the University of Edinburgh. Her essays have appeared in Journal of Latin American Cultural Studies, Journal of Cinema and Media Studies and Discourse.

Film program:

• Coffea Arábiga, 1968, 18 min.
• Ociel del Toa, 1965, 17 min.
• En un barrio Viejo, 1963, 9 min.
• Los del baile, 1965, 6 min.
• Inside Downtown, 2011, 30 minutes

Die Veranstaltung findet um 20 Uhr im Kino des DFF statt.

Alle Informationen gibt es auf der Webseite.

Seit mehr als zehn Jahren beschäftigt sich die Reihe „Lecture & Film“ über zwei Semester hinweg jeweils mit dem Werk einer bedeutenden Regisseurin oder eines bedeutenden Regisseurs oder einem thematischen Feld. Die aktuelle „Lecture & Film“-Reihe befasst sich mit dem Thema „Black Atlantic Cinema“.

“Sich selbst sehen durch die Augen … einer Nation, die einen mit Verachtung anblickt”: Das ist W.E.B. DuBois‘ Formel für das “doppelte Bewusstsein”, in dem marginale Menschen in Gesellschaften leben, die von Unterdrückung geprägt sind. Unter dem Titel „Black Atlantic Cinema“ stellt die Lecture & Film-Reihe eine filmische Praxis ins Zentrum, die drei Kontinente und die Geschichte von mehreren Jahrhunderten umfasst und den Rahmen einer nationalstaatlichen Betrachtung konsequent hinter sich lässt. In der Reihe nähern sich Wissenschaftler:innen, Kurator:innen und Künstler:innen den vielfältigen Weisen an, in denen Filmkünstler:innen auf die Herausforderung des Lebens im „doppelten Bewusstsein“ antworten, von Afrika über Brasilien und die Karibik bis hin zum (post)kolonialen Europa.

26.6.2025, 8 pm / 20 Uhr

Femi Shaka (Port Harcourt)
The Black Altantic and the Politics of Self-Representation in the Cinema: A Critical Analysis of Mati Diop’s Atlantics (2019)

Paul Gilroy’s seminal work, The Black Atlantic (1993), is cardinal to an understanding of the “ideas of the nation, nationality, national belonging, and nationalism” as experienced by blacks in the diaspora. But as Zeleza (2005) noted, “Gilroy’s central concern was to deconstruct the idea of the black race, to divorce it from any African essence or presence, to demonstrate its fluidity, mutability and modernity, and that black Atlantic cultural identities emerged in transnational and intercultural spaces of the diasporic experience itself.” This is where the work becomes problematic. Mati Diop’s film, Atlantics (2019) offers a starting point for a critical discussion of how members of the refugee diasporas are represented in the cinema.

Femi Shaka is professor of cinema studies at the University of Port Harcourt, Nigeria.

Film: Atlantics, Mati Diop, France/Senegal/Belgium 2019, 105 min.

Die Veranstaltung findet um 20 Uhr im Kino des DFF statt.

Alle Informationen gibt es auf der Webseite.